Los 10 cuentos más famosos de los hermanos Grimm

Los cuentos han vuelto a estar de moda, en películas, series y libros. Muchos de ellos están inspirados en los escritos por loshermanos Grimm, por eso nos vamos a contar cuales son cuentos más famosos que escribieron.

10. El lobo y las siete cabritillas

El lobo y las siete cabritillas es un cuento infantil, que narra la historia de las siete cabritillas que cuando su madre se va de casa, les advierte que tengan mucho cuidado con el lobo, pues con sus engaños intentará comérselas. Y así lo consigue, se come a todas salvo a las más pequeña, que logra salvarse. Cuando llega su madre y se entera de lo acaecido, junto a su hijo más pequeño, logran salvar a sus hermanos y acabar con el malvado lobo.

9. El enano saltarín

Ramplestilskin es el nombre del enano saltarín, que encuentra a una joven molinera a la que le han encargado hacer de la paja oro. Él obra tal milagro gracias a que ella le da su collar. Con el tiempo y los favores del enano, la molinera se convierte en reina, pero le promete a su primer hijo por todo lo que él ha hecho. Cuando por fin, el enano va a por su premio, la reina le pide que no lo haga, y él finalmente le concede una oportunidad: si adivina su nombre, la dejará en paz. Le da tres días para averiguarlo, la reina desesperada no sabe que hacer y manda mensajeros por todo el reino a que averigüen, hasta que uno le da la clave, su nombre es Ramplestilskin. Y así acabo la relación de la reina con el enano.

8. El sastrecillo valiente

Un sastre estaba un día trabajando, cuando unas moscas comenzaron a molestarle. Las mató de un golpe y eran siete, por lo que se bordó en su cinturón «siete de un golpe». La gente creyó que había sido una hazaña épica, de siete dragones o siete gigantes. Así que cuando alguien le pedía al sastre que acabara con una amenaza, gracias a su ingenio lo lograba. Finalmente consigue la mitad de un reino y la mano de una bella princesa.

7. Pulgarcito

Las aventuras de Pulgarcito comienzan con su nacimiento, cuando sus padres desesperados por no tener hijos, piden uno, sin importar cómo sea de pequeño. Así, nace finalmente un niño no más grande que un pulgar. En el cuento se narran sus aventuras.

6. Hansel y Gretel

La familia de Hansel y Gretel es muy pobre, por lo que abandonan a sus hijos en el bosque con una hogaza de pan. Los hermanos deciden usar las migas de pan para cuando puedan volver a casa. Pero de camino se encuentran con una casa hecha de chocolate y caramelos, con el hambre la muerden y una malvada bruja los apresa. Pero gracias a su ingenio, consiguen salir indemnes y volver con su familia.

5. Rapunzel

Rapunzel es una princesa encerrada en una torre sin puertas por una malvada bruja, pero gracias a su pelo, consigue que un príncipe suba y la salve. Sobre este cuento hace poco sacaron una película animada.

4. Caperucita roja

Caperucita roja es una niña que va a visitar a su abuelita con comida. En el bosque donde vive su anciana abuela hay un lobo, que un día se la come y se disfraza de ella. Cuando Caperucita entra en la casa, confunde al lobo con su abuelita, y en la versión de los hermanos Grimm, cuando el lobo se la va a comer, ella grita y un leñador que hay cerca la salva, y saca a su abuela de la barriga del lobo.

3. La cenicienta

Cenicienta es una chica que vive esclavizada por su madrastra, tras la muerte de su padre. Pero un día, un hada madrina decide darle el deseo de su vida: poder asistir al baile donde el príncipe busca esposa. Entra tan guapa en el baile que nadie la reconoce, con unos zapatos de cristal, pero como el encantamiento acababa a las doce de la noche, a esa hora sale corriendo. Y el príncipe, prendado de ella la sigue y sólo encuentra un zapato de cristal, por el que, probándoselo a todas las damas del reino, consigue dar con ella. Durante la ceremonia de bodas, sus hermanastras malvadas, se quedan ciegas por los picotazos de palomas.

2. La bella durmiente del bosque

Un día en un reino nació una bella princesa, por su nacimiento invitaron a todas las hadas del reino, pero una no fue invitada, y prometió vengarse. Por lo que con engaños, consigue que toque el huso de una rueca envenenado y todo el reino se sume en un profundo sueño. Durante cien años príncipes de todos los lugares intentaron salvar a la bella princesa. Hasta que transcurrido ese tiempo uno pudo llegar hasta ella y despertarla.

1. Blancanieves

Blancanieves está de moda, hay películas y series basándose en este cuento, donde la bella Blancanieves tiene que huir de su madrastra. Pero a causa de una manzana envenenada se sume en un profundo sueño, del que sale gracias al beso de su único amor: un príncipe. La malvada reina, a causa de lo hecho, le obligaron a bailar sobre fuego con unos zapatos de hierro hasta morir.

El último mensaje de Cuauhtémoc

Nuestro Sol se ocultó

Nuestro Sol desapareció su rostro

Y en completa obscuridad nos ha dejado

Pero sabemos que otra vez volverá.

Que otra vez saldra

Y nuevamente nos alumbrará

Pero mientras allá esté 

y en la mansión del silencio permanezca, 

Muy prontamente reunámonos y estrechémonos

Y en el centro de nuestro ser ocultemos

Todo lo que nuestro corazón ama

Y que sabemos que es gran tesoro.

Destruyamos nuestros recintos al principio creador,

Nuestras escuelas, nuestros campos de pelota,

Nuestros recintos para la juventud,

Nuestras casas para el canto y el juego.

Que nuestro nuestros caminos queden abandonasdo

Y que nuestros hogares nos resguarden

hasta cuando salga nuestro nuevo sol.

Los papacitos y las mamacitas

Que nunca olviden guiar a sus jóvenes

Y hacer saber a sus hijos mientras vivan

Cuán buena ha sido

Hasta ahora nuestra amada madre tierra Anahuac

Al amparo y protección de nuestro destino

Y por nuestro gran respeto y buen comportamiento,

Confirmados por nuestros antepasados

Y que nuestros papacitos muy animaosamente

Sembraron en nuestro ser.

Ahora nosotros les encargaremos a nuestros hijos

Que no olviden informar a sus hijos

Cuán buena será, cómo se lenvatará

Y alcanzará fuerza

Y cuán bien realizará su gran destino

Esta nuestra amada madre tierra Anáhuac.

La tradición oral atribuye este poema como el último mensaje del Tlahltocan (Consejo de Gobierno) de Mexico Tenochtitlan, dado a conocer por Cuauhtémoc como mandato de su último acto de gobierno el 12 de Agosto de 1521.

Berith II

Cultura Azteca y Cultura Maya

CARTA DE AMOR de FRIDA KAHLO A DIEGO RIVERA

"México, 1953
Sr. mío Don Diego:
Escribo esto desde el cuarto de un hospital y en la antesala del quirófano. Intentan apresurame pero yo estoy resuelta a terminar ésta carta, no quiero dejar nada a medias y menos ahora que sé lo que planean, quieren herirme el orgullo cortándome una pata... Cuando me dijeron que habrían de amputarme la pierna no me afectó como todos creían, NO, yo ya era una mujer incompleta cuando le perdí, otra vez, por enésima vez quizás y aún así sobreviví.
   No me aterra el dolor y lo sabes, es casi una condición inmanente a mi ser, aunque sí te confieso que sufrí, y sufrí mucho, la vez, todas las veces que me pusiste el cuerno...nó sólo con mi hermana sino con otras tantas mujeres...¿Cómo cayeron en tus enredos? Tú piensas que me encabroné por lo de Cristina pero hoy he de confesarte que no fue por ella, fue por ti y por mi, primero por mi porque nunca he podido entender ¿qué buscabas, qué buscas, qué te dan y qué te dieron ellas que yo no te di? Por que no nos hagamos pendejos Diego, yo todo lo humanamente posible te lo di y lo sabemos, ahora bien, cómo carajos le haces para conquistar a tanta mujer si estás tan feo hijo de la chingada...



    Bueno el motivo de esta carta no es para reprocharte más de lo que ya nos hemos reprochado en esta y quién sabe cuántas pinches vidas más, es sólo que van a cortarme una pierna (al fin se salió con la suya la condenada)... Te dije que yo ya me hacía incompleta de tiempo atrás, pero ¿qué puta necesidad de que la gente lo supiera? Y ahora ya ves, mi fragmentación estará a la vista de todos, de ti...
  Por eso antes que te vayan con el chisme te lo digo yo "personalmente", disculpa que no me pare en tu casa para decírtelo de frente pero en éstas instancias y condiciones ya no me han dejado salir de la habitación ni para ir al baño. No pretendo causarte lástima, a ti ni a nadie, tampoco quiero que te sientas culpable de nada, te escribo para decirte que te libero de mí, vamos, te "amputo" de mi, sé feliz y no me busques jamás. No quiero volver a saber de ti ni que tú sepas de mí, si de algo quiero tener el gusto antes de morir es de no volver a ver tu horrible y bastarda cara de malnacido rondar por mi jardín.
   Es todo, ya puedo ir tranquila a que me mochen en paz.
   Se despide quien le ama con vehemente locura,

Su Frida."

El Club de los Libros Perdidos

Descubren en El Prado una copia de La Gioconda pintada por un discípulo de Leonardo Da Vinci

Mejor conservado que la Mona Lisa y años olvidado en el subsuelo del museo del Prado. Una copia de La Gioconda, obra de cabecera de Leonardo Da Vinci, ha sido encontrada en la pinacoteca madrileña. Un cuadro que, según el equipo de restauración de El Prado, que trabaja a marchas forzadas, podría datar de principios del siglo XVI, en una fecha comprendida entre los años 1503 y 1506.

Si los estudios están en lo cierto ambas obras, la original de Leonardo Da Vinci, y la copia hallada en el museo del Prado, se habrían creado en paralelo. Según los últimos datos ofrecidos por los conservadores de la pinacoteca de la capital de España, la Gioconda madrileña habría sido creada por alguno de los dos discípulos del maestro italiano. Los investigadores sólo barajan dos nombres: Andrea Salai o Francesco Melzi.

Las similitudes entre la Mona Lisa expuesta en el Louvre, y la descubierta en Madrid, son palpables, incluso en las medidas del lienzo. Setenta y siete centímetros de ancho, por cincuenta y tres de alto, mide el original de Da Vinci; la copia del Prado, setenta y seis por cincuenta y siete.

La copia de La Gioconda encontrada en el museo del Prado será presentada, si no ocurre ningún contratiempo, el próximo martes día 21 de febrero, en Madrid. En la réplica madrileña de La Mona Lisa, el traje y la silla en los que se sitúa la protegonista de la obra están pintados con más detalle, al contrario que en la obra original. La exposición promete ser uno de los acontecimientos del año 2012 para la pinacoteca de Madrid.

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"El día que Schumann lloró"

El día en que se dio cuenta de que no podría volver a mover los dedos de su mano derecha, Robert Schumann lloró largo y tendido. El músico alemán, que había tocado el piano desde niño e incluso había compuesto sus primeras obras con tan sólo siete años, admiraba la ejecución de los más renombrados concertistas de su época, como Paganini y Liszt, y deseaba, por encima de todo, convertirse en un virtuoso como ellos. Quizás por ese motivo se empeñó con tanto ahínco en perfeccionar su técnica de teclado que, al final, acabó truncando su carrera como concertista.

Tenía un talento innegable como pianista, pero consideraba que carecía de agilidad suficiente en los dedos, por lo que se hizo construir un teclado portátil que le permitiera ensayar continuamente. No obstante, aquel ejercicio intensivo no funcionó como él deseaba; entonces, ideó un aparato que colgaba de una polea del techo y al que se ligaba el anular y el meñique, y así se obligaba a ensayar durante horas y horas.

(Reportaje publicado en Historia y Vida)

Sin embargo, Schumann pronto se dio cuenta de que el método, lejos de funcionar, le estaba dañando la mano. Veía con asombro y desolación cómo sus dedos se obstinaban en desobededer sus órdenes y se agarrotaban y se contraían al tocar, sin que pudiera hacer nada para remediarlo, por lo que se forzaba aún más a practicar con las poleas. Lo que seguramente Schumann desconocía es que, por más que practicara, las limitaciones del cuerpo humano hacían imposible que sus dedos fueran completamente independientes unos de otros como él deseaba; y es que no existen músculos para cada una de las falanges y, además, entre los tendones hay un elevado número de interconexiones, que unen unas con otras. Por lo tanto, aquel método, lejos de funcionar, le dañó la mano para siempre y le impidió volver a tocar el piano.

Robert Schumann padecía una distonía focal, una enfermedad conocida popularmente como el “cáncer del músico” y que afecta a uno de cada 200 intérpretes, según datos del Instituto de Fisiología y Medicina del Arte-Terrassa. Se trata de un repentino y misterioso transtorno por el que el cerebro incorpora un error en un movimiento automatizado y bloquea la movilidad de una parte del cuerpo; en el caso de los pianistas, de los dedos de la mano. Así, puede que Schumann fuera incapaz de tocar una simple escala de notas ascendente al piano, pero, en cambio, pudiera ejecutarla a la perfección sobre una mesa o pudiera escribir sin problema. Y es que, aunque se desconocen las causas exactas que la provocan, se sabe que está relacionada con el trabajo intensivo e incluso con la obsesión por el instrumento.

Quizás fuera gracias esta enfermedad, que lo obligó a apartarse de su carrera como concertista, por lo que Schumann llegó a convertirse en uno de los compositores más importantes del siglo XIX. Y no es el único caso. La historia de la música está repleta de artistas que sufren problemas de salud derivados de su profesión; de hecho, el 75% se lesionan en alguna ocasión, según datos aportados por la Fundación Ciencia y Arte, y de esos, uno de cada tres deben abandonar su carrera, tal y como les ocurrió a Leon Fleischer y Gary Graffman, dos prestigiosos pianistas norteamericanos que, a mediados de la década de los 80, en las cúspides de sus carreras, se vieron apartados de los escenarios tras diagnosticarles, también, una distonía focal.

“Cuesta encontrar casos de artistas contemporáneos que admitan abiertamente que han tenido alguna lesión” , explica el doctor Jaume Llobet, al frente del Instituto de Fisiología y Medicina del Arte-Terrassa, uno de los escasos centros que existen en todo el mundo en el que diagnostican y tratan a pacientes que proceden de las artes escénicas, como músicos, bailarines o acróbatas. “Existe un tabú muy importante a la hora de asumir la lesión, a diferencia de los deportistas, porque se suele asociar a una mala técnica y, por tanto, la mayoría de intépretes trata de esconderla”, añade. La dolencia más frecuente es el sobreuso muscular. “Un pianista, si tiene que prepararse un concierto, puede pasarse hasta ocho o nueve horas ensayando; sus músculos pierden resistencia, por lo que suele sentirse cansado nada más comenzar a tocar. ¡Pero eso es totalmente normal! Lo mismo le pasaría a cualquier deportista si entrenara el mismo número de horas”, explica la fisioterapeuta Sílvia Fàbregas, también del Institut de Fisiologia i Medicina de l’Art, en Terrassa.

Demasiado exigentes

La mayoría de lesiones que padecen los artistas se producen porque sus cuerpos no están preparados para responder a tanta exigencia. El caso más evidente es el de los instrumentos de viento, como el clarinete o la trompeta; para tocarlos, el músico debe ejercer una presión prolongada equivalente a 20kg de peso contra los labios para producir, por ejemplo, un sonido aguo. No obstante, la musculatura orbicular labial apenas tienen unos pocos milímetros y es, además, muy delicada, por lo que en algunos casos puede acabar rompiéndose, como le sucedió al célebre Louis Amstrong. A este músico se le conocía con el sobrenombre de “Sachmo” en los clubes, de ahí que ahora esta lesión reciba el nombre de “síndrome de Sachmo”.

No es un caso aislado. De hecho, el 40% de los instrumentistas de viento padecen este tipo de problemas en los labios, su principal herramienta de trabajo. En el centro de Terrassa han desarrollado una máquina diseñada especialmente para este colectivo y que es capaz de medir la fuerza de los labios en los saxos. También trabajan con software propio para calcular la presión que cada músico debe ejercer sobre las teclas del piano a la hora de interpretar una partitura; conectan el instrumento al ordenador y analizan estadística y comparativamente la ejecución del pianista. Y es que, tal y como alerta Llobet, “muchas de las partituras clásicas que se interpretan hoy en día fueron escritas para instrumentos que no tienen nada que ver con los actuales, como es el caso de Bach y sus obras para clavicordio”. Este instrumento tenía teclas muy livianas, que apenas hacía falta rozar para que generaran sonido. El piano actual es muy diferente. Cada tecla pesa cerca de 600 gramos, de manera que el músico tiene que ejercer una mayor fuerza de presión para interpretar estas obras”. “En ocasiones, el artista no es consciente de que determinadas partituras suponen un riesgo para él”, opina Rosset.

Es el caso de Litz y Paganini, un pianista y un violinista que componían en función de sus características físicas; ambos padecían una enfermedad genética, la aracnodactilia, que hacía que tuvieran unos dedos larguísimos y muy elásticos. Ambos fueron dos virtuosos de su tiempo y están considerados de los mejores de todos los tiempos. Su técnica asombraba al público de la época, que llegó a pensar que existía algún tipo de influjo diabólico en él por sus adelantos musicales. De Niccolò Paganini se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña, la “nota 13” y que el músico italiano era capaz de interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, retirando las tres primeras. Y aunque la creencia popular era que la extraordinaria longitud de sus dedos –¡sus manos medían 45cm!- se debía a las horas dedicadas a la práctica del violín, lo más probable es que padeciera el síndrome de Marfan, una enfermedad del tejido conectivo que se caracteriza por un aumento inusual de la longitud de los miembros. De ahí que pudiera tocar tres octavas sin esfuerzo. “Con una mano normal, si quieres interpretar al violín a Paganini o al piano a Litz, debes realizar un esfuerzo inmenso que a menudo acaba en lesión”, considera Llobet, especialista en medicina del arte- Otro ejemplo es Rachmaninoff, que medía casi dos metros y llegaba a tocar en el piano hasta 12 notas con una mano, lo que supone unos 30 cm, algo difícil para una mano normal.

Los otros males

Existen otras lesiones mucho más raras y peculiares como la denominada ‘cuello del violinista’, un quiste sebáceo que se forma debido a la fricción repetida del instrumento en la piel y que se suele infectar. O la alergia que desarrollan muchos de ellos a causa del contacto con la brea o resina que utilizan para tocar las cuerdas de sus instrumentos. También padecen de afecciones a causa del contacto continuo del violín o la viola entre el mentón y la mandíbula. O el ‘pezón del guitarrista’, en la que se produce una irritación del pezón del artista a causa del roce continuo del canto de la guitarra.

Buena parte los percusionistas pierden oído por una exposición constante a instrumentos como los platillos y las campanas tubulares. Y los timbalistas acaban desarrollando una neurosis a causa del efecto de las ondas sonoras contra el cráneo y la cara. Los trompetistas y otros tañedores de instrumentos metálicos corren el peligro de padecer glaucoma, además de sordera. Y es que la mayoría de instrumentistas que tocan en las orquestas sinfónicas y filarmónicas en el escenario producen y han de soportar el estruendo de sus ejecuciones, que puede alcanzar los 130 decibelios, el mismo volumen de sonido que produce un avión de propulsión al despegar. Y eso sin contar con los problemas de columna que tienen la mayoría de músicos debido a una mala posición reiterada del cuerpo.

Reprogramar el cerebro

El origen de la distonía focal podría encontrarse en los pliegues del cerebro. El movimiento de las manos se controla desde la corteza cerebral y, tras muchos años de entrenamiento, las escalas, las notas, determinadas partituras han quedado grabados en esa región cerebral como conexiones neuronales fijas. Por qué un buen día un dedo comienza a moverse de forma diferente, sigue siendo un misterio, sobre todo porque la mano es capaz de seguir realizando todos los demás movimientos, como escribir, coser un botón, sin dificultad. Por este motivo, durante mucho tiempo se consideró que la distonía focal estaba relacionada con transtornos psiquiátricos. Lo único que la ciencia sabe por el momento es que la región que controla la capacidad sensorial de los dedos de los músicos presenta alteraciones y si lo normal es que el movimiento de cada dedo disponga de una región propia, en la enfermedad del músico parecen haberse fundido unas con otras.

Durante mucho tiempo, se han aplicado diferentes técnicas para intentar paliar esta insubordinación de determinadas partes el cuerpo aunque sin demasiado éxito; desde los masajes fisioterapéuticos y la acupuntura hasta la inyección de diversos fármacos. No obstante, desde hace una década investigadores de la Universidad de Konstanz, en Alemania, y del Instituto de Fisiología y Medicina del Arte-Terrassa, buscan nuevas alternativas y han hallado que es posible reprogramar el cerebro distónico, volver a entrenar la mano y revertir el proceso. El cerebro debe aprender a olvidar patrones de movimiento erróneos y a reemplazarlos por otros nuevos. Para ello, diseñaron programas de trabajo en los que hacían practicar a los músicos limitando intencionadamente el trabajo de algunos dedos. De esta manera, los músicos debían formatear el disco duro en el que tenían almacenados todos los procesos de interpretación que se ‘colgaban’ al tocar, e incorporar otros patrones nuevos.

La Medicina del Arte

La medicina del arte es un concepto bastante reciente. De hecho, en todo el mundo existen escasos centros especiazalidos en este tipo de lesiones. El Instituto de Fisiología y Medicina del Arte-Terrassa es uno de ellos; en él diagnostican y tratan a músicos, bailarines, artistas de circo e incluso a colectivos que no tienen que ver con el arte pero que no encuentran solución a sus problemas en la medicina tradicional, como es el caso de los diseñadores gráficos, que acaban con problemas de muñeca debido al uso intensivo del ratón del ordenador. Vinculado a este Instituto se creó la Fundación Ciencia y Arte, una entidad sin ánimo de lucro que tiene como objetivo la investigación y la dilvulgación de estas lesiones.

A parte del barcelonés, tan sólo en Nueva York, Alemania, y desde hace algún tiempo en Japón hay institutos similares, en los que médicos, fisioterapeutas y pedagogos musicales tratan no sólo a músicos, sino también a cantantes, actores, bailarines y artistas en general. Y es que la música provoca placer pero también puede causar dolor y enfermedad.

Fuente: Sáez, C. "El día que Schumann lloró" http://cristinasaez.wordpress.com/2008/12/22/el-dia-que-schuman-lloro/
Pedro Gómez R. 

Un verdadero amigo... De ébano y palo escrito...

Todos los músicos coincidirán conmigo al afirmar que cada instrumento musical es único y, por trillado que suene, irrepetible… Ningún violín es igual a otro, ninguna guitarra se asemeja a la otra… Pero seas violinista, pianista, guitarrista, trompetista, mandolín… en fin… para un instrumentista, existe ese instrumento único que sobresale de los demás… esa pieza que tiene un significado único, con un valor incalculable para nada económico… El instrumento propio…

¿Qué instrumentista no recuerda su primer vínculo con la música? Ya sea esa guitarra obtenida de segunda mano… Ese violín económico comprado en algún pequeño establecimiento… O si corrimos con suerte, hasta esa viola adquirida en la casa de música de más renombre…

Hubiese cual hubiese sido su procedencia, su precio, o su calidad… Ese instrumento deja de ser maderas, barniz, pegamento y cuerdas para convertirse en un compañero, un amigo… Y si nos ponemos cursis, un hermano, o un hijo…

Y verdaderamente desde el primer contacto con ellos, experimentamos emociones que en conjunto sentimos con muy pocas personas… Alegría, ira, frustración, decepción, pasión, deleite, placer, euforia, tristeza, cariño… amor…

Imágen y texto: Pedro Gömez R

¿Cuáles son las 7 maravillas del mundo antiguo?

Las Pirámides de Gizeh. Esta es la única de las siete maravillas del mundo antiguo que todavía sigue en pie y podemos visitar en Egipto. Es un conjunto formado por tres pirámides ―Keops, Kefrén y Micerino― y están situadas en las afueras de El Cairo. La de Keops, de 146 metros de altura y 230 metros de lateral, está considerada la más importante del conjunto monumental, construido sobre el año 2570 aC como recinto funerario para el faraón Keops

Los jardines de Babilonia.     Datados en el siglo VI aC, se encontraban en la ciudad de Babilonia, el actual Iraq, en la orilla del río Éufrates. La construcción consistía en una serie de terrazas de piedra que se sostenían por amplias arcadas, de tal forma que, al verlo desde abajo, el jardín suspendido pareciese una alta escalinata rebosante de flores

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El Templo de Artemisa. Esta maravilla se situaba en Éfeso, Turquía, erigida por primera vez sobre el año 550 aC dedicado a la diosa Artemisa, siendo el rey Creso de Lidia quien impulsó su construcción. Fue arrasado por un incendio intencionado alrededor del año 356 aC y, posteriormente, Alejandro Magno ordenó que fuera reconstruido; aun así, los godos volvieron a arrasarlo.

La estatua de Zeus. Se esculpió por Fídias, el mayor escultor griego, hacia el 430 aC en Olimpia y en honor al rey de los dioses. Tenía 12 metros de altura, el ancho ocupaba todo el pasillo del templo que la albergaba y estaba hecha de placas de oro y marfil sobre un bastidor de madera. Actualmente, no se conserva nada de esta estatua.

El Mausoleo de Halicarnaso. Fue construido aproximadamente el 353 aC y se situaba en la ciudad griega de Halicarnaso, actual Bodrum (Turquía). Artemisa lo hizo construir en honor a su marido Mausolo, según dicen, motivo por el cual todo sepulcro suntuoso se llamó "mausoleo". Medía unos 40 metros de altura y destacaban en él los grupos escultóricos que lo adornaban.

El Coloso de 

Rodas. Construido entre el 294 aC y el 282 aC a la entrada del puerto de la ciudad de Rodas en la isla de Rodas (Grecia). Era una estatua del dios Helios, que contaba con un pedestal de entre 15 y 20 metros y un esqueleto de hierro, forrado de bronce, de entre 30 y 32 metros; de manera que la estatua alcanzaba una altura total de casi 50 metros. Se mantuvo en pie hasta que en el año 226 aC fue derribado por un terremoto.

El Faro de Alejandría. Fue construido en el siglo III aC por Sócrates de Cnido para Tolomeo II, en la isla de Faros en Alejandría (Egipto) para servir como punto de referencia del puerto y como faro. Erigido sobre una plataforma de base cuadrada, contaba con una altura de 134 metros, tenía forma octogonal y para su construcción se usaron grandes bloques de vidrio y bloques de mármol ensamblados con plomo fundido.

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Lo que debes saber sobre los Globos de Cantolla

Los Globos de Cantolla están hechos de papel arroz (tratado con retardante de fuego), cuentan con un cuadro de cera el cual les permite generar calor en su interior y por lo tanto elevarse. Podrás apreciar un espectáculo fuera de lo común, son la mejor manera de sustituir los fuegos artificiales en tus fiestas y salen mucho más baratos.

¿De qué están hechos?

Existen Globos de Cantolla son 100% biodegradables ya que están elaborados de papel arroz y un aro de bamboo. Son muy seguros ya que no contienen sustancias tóxicas, combustibles peligrosos, ni materiales inflamables.

¿Cómo se prenden?

Los Globos de Cantolla tienen un cuadro de parafina sostenido en el centro, éste se enciende y el globo se va llenando de aire caliente hasta que esté listo para elevarse. La parafina dura prendida de 15 a 20 minutos, una vez que se apaga el globo va descendiendo. No tienes que preocuparte ya que para cuando el globo descienda estará apagado y no provocará ningún tipo de accidente.

¿Cuánto vuelan?

Los Globos de Cantolla vuelan de 800 a 1000 metros de altura.

¿Dónde y cómo usarlas?

Sólo se pueden utilizar en lugares al aire libre; lejos de edificios, cables y árboles.
No se recomienda liberarlos en un radio de 8km de un aeropuerto, en condiciones de fuertes vientos y es muy importante evitar encenderlos en zonas cercanas a campos secos.

Se recomienda dar un globo por cada 2 personas ya que mientras uno sostiene el globo la otra persona lo encenderá. Antes de que libere el globo es de buena suerte pedir un deseo. También es importante que cada globo tenga su propio encendedor para que cuando sea hora de liberarlos se eleven al mismo tiempo. Para que el espectáculo sea apreciado al máximo, debes lanzarlos en la tarde noche así parecerán estrellas elevándose en el cielo.

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La voz humana

La voz es el instrumento musical más perfecto. Las voces se clasifican por su timbre y su tesitura o extensión en:

Voces blancas: las de mujer y de niño o niña.

• Soprano: es la voz más aguda.
• Mezzosoprano: es el término medio entre los extremos.
• Contralto: la voz más grave de mujer.

Voces graves: las de hombre, clasificadas una octava más grave que las femeninas.

• Tenor: es la voz más aguda.
• Barítono: es la voz intermedia.
• Bajo: la voz más grave de hombre.

Como representación de bajista conocido tenéis a Yevgeny Nesterenko interpretando la famosa “La canción de la pulga” (Song of de Flea) compuesta por  Mussorsky y cuya letra es del dramaturgo alemán Wolfgang Goethe:

 Existe una voz masculina más, es especial, se llama contratenor, esta es la voz de hombre que, debido a la especial conformación de la glotis, posee un timbre femenino muy agudo. Se puede definir como un contralto masculino que canta en falsete. En cierto modo sustituye a la voz del castrati (como se llamaba en el barroco) aunque no tiene nada que ver con estos. Se utiliza en la música antigua y barroca, en papeles que también se adjudican a voces de mujer. En inglés recibe el nombre de countertenor y en francés el de ténor hautecontre.

Algunos cantantes que iniciaron sus carreras en coros infantiles, han mantenido con el cambio de voz su ámbito agudo, en parte por su facilidad para el falsete, construyendo una especie de voz paralela a la de su registro natural. Una de las figuras más aplaudidas del momento, David Daniels comentaba que, hasta los 17 años, siguió cantando como soprano. Tras su cambio hormonal, lo hizo como tenor.

El único país que ha mantenido una tradición de contratenores puros ha sido Inglaterra. Henry Purcell, uno de los grandes nombres del barroco, lo era y para este tipo de voces escribió muchas obras.

El más famoso de todos los sopranos (aunque hay quien afirma que era contratenor) fue Carlos Broschi también llamado Farinelli, interpreta aquí “Lascia ch’io pianga” de la ópera Rinaldo, compuesta por Häendel.

Una de las figuras más representativas del momento es Andreas Scholl.

También tengo que decir que cuando se reunen niños o niñas de distintas voces lo llamamos escolanía. Quizá os suene esta canción titulada “In the Jungle”:

 A los grupos de adultos con estas mismas características se les llama coros, es decir, en un coro se agrupan todas las voces aunque pueda haber solistas de cualquiera de ellas, igualmente podemos encontrarnos coros femeninos y coros masculinos.

El órgano

Aunque no pertenece a la orquesta própiamente, es imprescindible hablar de él. Se trata del órgano.

Escribir sobre un instrumento como este no es nada fácil. Es un instrumento de viento con juegos de tubos que, pulsadas unas teclas, cantan al soplo del aire producido por fuelles, y más tarde será por un ventilador eléctrico. Por juego de tubos se entiende una hilera de tubos de las mismas características sonoras, e igual en la forma y en la intensidad y que se corresponde a todas las notas cromáticas del teclado, o en parte.

El órgano tiene de uno a dos teclados, o más, y éstos son cortos en extensión.

Los tubos, sitúan según condiciones sonoras y agrupados por familias, están ubicados en diferentes cotas, por pisos, como en los órganos centroeuropeos y catalanes, u orientados a las diferentes naves de los templos como en las catedrales españolas, sin ir más lejos. Cada uno de los teclados responde a una parte del órgano y cada uno de ellos es, por llamarlo de alguna manera,  un órgano distinto dentro del conjunto que configura el instrumento. De esta forma podemos llegar a la conclusión que los teclados no se diferencian entre ellos por la cantidad y tesitura de los registros, sino por el lugar que ocupan dentro del órgano: por su ubicación. Cada teclado recibe un nombre característico en consonancia a sus propiedades.

Finalmente llegamos a los juegos del Pedal que suenan accionados por el pedalero. Son los más profundos del instrumento. Pueden ser muy suaves y discretos, o de gran vigor sonoro; todo dependerá de los timbres que haya elegido el organero, según el tamaño del instrumento que, casi siempre, son las apropiadas a la  capacidad del espacio donde se situará el órgano. Los tubos del Pedal están aderezados a los lados del órgano y en su parte trasera.

Teclados, pedal y registros se hallan situados en la consola, que es precisamente el lugar donde se organiza la música.

Se distinguen tres tipos de órgano que determinen su historia: el Portátil, el Positivo y el Gran Órgano:

El portátil es un instrumento de pequeñas dimensiones que puede transportarse. Sujeto por una correa que pasa alrededor del cuello del organista, o bien apoyado sobre sus rodillas, es el mismo ejecutante quien acciona el fuelle con la mano izquierda mientras que con la derecha hace sonar los pocos tubos que contiene, a través de unos botones, que más tarde fueron reemplazados por un teclado proporcionado a este órgano.

El positivo es de proporciones justamente mayores que las del Portátil, posee más juegos de tubos y su teclado ya está más acrecentado. Su transporte resulta, como es natural, más aparatoso. Se coloca en el suelo, directamente, o se pone sobre una mesa (tabla).

La evolución hacia la construcción del Gran Órgano fue lenta y resultó ser un gran paso en la organería; nuevos elementos mecánicos en la transmisión entre las partes de la consola —teclados y registros— y los secretos —con su complejidad y los tubos que a él se encajan— formaron parte del órgano, expuesto de una manera diligente y sin querer entrar demasiado en este componente, por hallarse en un labrantío más propio de organeros que de organistas.

El órgano, también es una máquina. Una maquina sofisticada y compleja como toda obra de ingeniería (ni que las dimensiones de un órgano sean pequeñas), que emite sonidos. El mantenimiento de un órgano tendría que realizarse a lo mínimo una vez al año.